Les Nouveaux Dandys

Esthétisme au musée d'Orsay (suite)

Comme promis, vous trouverez ci-après quelques informations supplémentaires à propos de l'exposition du musée d'Orsay : Beauté, morale et volupté dans l'Angleterre d'Oscar Wilde.

L'exposition Beauté, morale et volupté offre au visiteur un large panorama d'oeuvres de toutes disciplines (peinture, sculpture, mobilier, objets d'art, arts appliqués, costume, bijoux...) permettant de mieux appréhender cette notion d'esthétisme qui agite l'art anglais de la 2e moitié du XIXe siècle, depuis 1860 jusqu'au crépuscule du règne de la reine Victoria.
A travers ses grandes figures - Dante Gabriel Rossetti, Edward Burne-Jones et William Morris, James McNeill Whistler, Oscar Wilde et Aubrey Beardsley - et leurs créations, c'est toute l'histoire du Mouvement Esthétique, son évolution, ses sources, ses conséquences, qui sont expliquées ici.

La multitude et la diversité des oeuvres prouvent la volonté d'universalité qui guide les tenants du mouvement dans leur quête du beau idéal. Mais la modernité de la démarche gêne. L'art pour l'art est une idée nouvelle, dangereuse et condamnable : l'art se libère des principes de l’ordre établi et des notions victoriennes de moralité. La littérature, la peinture, la sculpture même "versent" dans la sensualité, pire ! la licence...

Mais l'influence du mouvement grandit. Elle ne s'arrête pas à la querelle du sujet et de son traitement. Elle étend ses vues à la vie quotidienne ; elle veut réformer le "design" et appliquer ses champs d'investigation à la décoration intérieure et à l'architecture. L'élite adhère. Les grandes demeures adoptent le nouveau style. Et, puisqu'il faut que l'art soit accessible à tous, du moins au plus grand nombre, architectes et décorateurs vont aussi repenser les intérieurs de la classe moyenne. La « Belle Maison» devient le symbole d’un mode de vie moderne, sophistiquée, en phase avec son siècle. Les nouveautés, les thèmes créés par les artistes sont rapidement exploités commercialement, pour le plus grand nombre. Pendant un demi-siècle, les esthètes donnent le la. Leurs maisons, parfois extravagantes, servent de mètre-étalon. S'y déploient luxe, exubérance, richesse, trouvailles. Très vite, l'esthétisme au quotidien (arts décoratifs, mobilier...) trouve sa clientèle de collectionneurs : aristocrates, intellectuels, mais aussi marchands et industriels.

C'est ce foisonnement dans le beau, le luxe, le raffinement que montre l'exposition du musée d'Orsay. Les magnifiques pièces sont présentées isolées - pour mieux les contempler - ou arrangées dans des ensembles, sur le modèle des "period rooms" des musées anglais (et qui manquent cruellement aux institutions françaises...) Chaque salle, enfin, est scandée d'un aphorisme de Wilde sur l'art, le beau, l'esthétique.
Nul doute que l'auteur à succès, mort pauvre et oublié à Paris, à quelques rues seulement du musée, aurait aimé flâner parmi les vestiges de son époque, s'arrêtant ici et là, devant une photo, une toile, un meuble ou une théière pour conter à un Bosie de passage les souvenirs de sa gloire passée.

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Beauté, morale et volupté dans l'Angleterre d'Oscar Wilde, Paris, Musée d'Orsay, jusqu'au 15 janvier 2012. A l'occasion de la présentation de cette exposition, le musée organise également un cycle Musique et un cycle Cinéma, à découvrir sur le site d'Orsay.

Photos : Mrs Luke Ionides, 1882, par Sir William Blake Richmond, V&A, Londres, © V&A Images / Théière Diamant, vers 1879, par Christopher Dresser, V&A, Londres, © V&A Images.

En bref : Esthétisme au musée d'Orsay

Excellente nouvelle pour cette "rentrée" ! L'annulation des célébrations de "L'année du Mexique" en France a entraîné la déprogrammation de l'exposition sur L'art mexicain de 1810 à 1920, prévue en septembre au musée d'Orsay. Son directeur, Guy Cogeval, a - pour nous en tout cas - magistralement remplacé cette exposition par celle présentée au V&A de Londres jusqu'en juillet dernier : "The Cult of Beauty : the Aesthetic Movement 1860-1900", dont nous vous parlions récemment.

L'exposition sera présentée à Paris sous le titre "Beauté, morale et volupté dans l'Angleterre d'Oscar Wilde", du 13 septembre au 15 janvier. Nous vous en parlerons plus longuement dès la semaine prochaine.

Photo : Sir Edward Burne-Jones (1833-1898), La Roue de la Fortune (détail), entre 1875 et 1883. Paris, musée d'Orsay. © RMN (Musée d'Orsay) / Gérard Blot.

Les dandys du Cercle

Le musée d'Orsay (Paris) vient de faire l'acquisition d'un (du ?) chef-d'oeuvre de James Tissot, Le Cercle de la Rue royale. Sous la colonnade d'un des bâtiments élevés par Gabriel, à la hauteur de l'hôtel de Crillon, place de la Concorde, douze hommes posent pour le peintre. En 1868, tous sont membres d'un cercle élégant, fondé en 1852, et qui a pris modèle sur les fameux et discrets "clubs" anglais. Ce Cercle de la Rue royale fusionnera en 1916 avec celui de l'Union, qui existe encore aujourd'hui sous le nom de Nouveau Cercle de l'Union.

On trouve ici, indifférentes à notre admiration, lisant, fumant, quelques-unes des grandes figures masculines du "Tout-Paris", parmi les plus célèbres de l'époque (de gauche à droite) : le comte de La Tour-Maubourg ; le marquis du Lau d'Allemans ; le comte de Ganay ; l'anglais Coleraine Vansittart ; le marquis de Miramon ; le comte de Rochechouart ; le baron-banquier Rodolphe Hottinguer ; le marquis de Ganay ; le baron de Saint-Maurice ; le prince Edmond de Polignac ; le marquis de Galliffet, plus tard général ; Charles Haas, futur inspirateur de Proust pour son personnage de Swann.

Chacun des dandys qui composent cette magistrale leçon d'élégance a versé 1000 francs au peintre. La grande toile (3m de large) est destinée à être accrochée dans les salons du Cercle. Au cas où le Cercle viendrait à disparaître, le tableau est attribué, par tirage au sort entre les douze, au baron Hottinguer et à ses descendants. Au moment de la fusion en 1916 avec le Cercle de l'Union, le tableau passe donc à la famille Hottinguer, à laquelle le musée d'Orsay vient de le racheter.

V&A : Le culte de la beauté



We do love the V&A. Et pour cause ! Le Victoria and Albert Museum de Londres propose à partir du 2 avril une remontée dans le temps, jusqu'aux dernières décennies du XIXe siècle, pour une prometteuse exposition : The cult of beauty : the Aesthetic Movement, 1860-1900. Peinture, dessin, mobilier, photographie, mode, joaillerie, littérature : tous les aspects de la création du "Mouvement Esthétique" seront évoqués, le long d'un parcours chronologique qui en retrace l'évolution.

La quête du beau idéal en Angleterre, apparue vers 1860, est une préoccupation majeure des artistes, qu'ils soient "académiques" (les Olympiens) ou plus "modernes" dans leur approche esthétique comme les Préraphaélites. Avec ces derniers - qui pourtant prônent un retour à l'art d'avant la Renaissance -, le champ de la beauté doit s'étendre au quotidien et l'esthétisme au domaine des arts "décoratifs". La démarche est nouvelle. Désormais l'artiste est aussi "designer". Le "beau" ne se limite plus à "l'oeuvre d'art" mais doit se révéler partout autour de soi.

Cette quête obsessionnelle du beau conduit, à partir de 1870, les artistes du Mouvement Esthétique, à l'instar de Whistler, à revendiquer une position inhabituelle jusque-là, celle de "l'art pour l'art" (initiée en France par Théophile Gautier). L'oeuvre doit être dégagée de toute association extérieure et l'intention esthétique doit primer sur le sujet.

La Grosvenor Gallery, qui expose les artistes du mouvement, connaît alors un succès considérable : l'élite adhère à cette conception nouvelle, purement décorative et esthétique de l'art. Elle achète les oeuvres, fait bâtir de nouvelles maisons, change sa décoration intérieure, suit les préceptes du Mouvement. "L'industrie" produit à large échelle meubles, céramiques, métaux, textiles, d'autant que la classe moyenne, qui veut imiter l'élite, souhaite, elle aussi, accéder au "House Beautiful", considéré désormais comme le nec plus ultra de la vie sociale et cultivée britannique.

Dans les dernières années du siècle cependant, vers 1890, le mouvement s'étiole. Porté aux nues, théorisé - Oscar Wilde s'en fait le chantre - l'esthétisme, répandu à grande échelle, n'est plus le privilège d'un groupe d'artistes ou d'une classe sociale. Son expansion paradoxalement marque son déclin. La production en série banalise le beau. La pièce touche à sa fin. Le rideau va tomber avec la fin du règne de Victoria. La dernière scène est jouée brillamment par les "décadents" fin-de-siècle, dont les dessins d'Aubrey Beardsley illustrent les dernières turpitudes...

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The Cult of Beauty : The Aesthetic Movement, 1860-1900, au Victoria & Albert Museum de Londres, du 2 avril au 17 juillet 2011. Plus d'informations ici. A l'occasion de l'exposition, le V&A proposera des projections de films, dont Wilde et An ideal Husband.

Carle Vernet, peintre dandy (2)

Mais l’épisode révolutionnaire retarde la délivrance. Son père, Joseph Vernet, meurt quelques mois après la prise de la Bastille ; le triste évènement augure d’une période difficile pour Carle, partagé entre un indéniable « vieux fond de royalisme » et sa tentation d’adhérer au processus révolutionnaire.
Plus tard, quand la situation s’envenime, le peintre songe à s’exiler. L’attaque des Tuileries, qui chasse sa famille de son logement du Louvre et le long combat qu’il mène, en vain, pour sauver sa sœur Émilie Chalgrin de l’échafaud, l’empêchent toutefois de quitter Paris.
En 1793, dans le contexte de la Terreur, le citoyen Carle Vernet présente, aux dires de la Revue républicaine : « l’ouvrage le plus capital du Salon et qui peut tenir le milieu entre ce qu’on nomme le genre et l’histoire ». Le tableau est présenté sous un titre prudent : Une chasse dans le genre anglais, au moment de l’attaque. L’œuvre s’identifie sans doute avec un tableau depuis rendu à son titre véritable : Une partie de chasse à Méréville chez le marquis de Laborde. Elle témoigne des derniers fastes de Méréville, le nouveau château de Laborde, près d’Étampes, acquis en 1784 par le richissime banquier de Louis XV. Le duc d’Orléans, qui y figure, est sans doute à l’origine de la commande. C’est peut-être la plus aboutie des compositions cynégétiques de Vernet en même temps qu’un chef-d’œuvre d’audace. L’artiste – sans doute ravi de son pied-de-nez – n’y glorifie-t-il pas le loisir emblématique de l’aristocratie déchue ?

Carle Vernet (ci-dessus, au premier plan, avec le peintre Lethière) exprime sa verve et sa légendaire joie de vivre à l’avènement du Directoire. Il s’y complait à caricaturer les extravagantes coiffures en « coup de vent » et en « oreilles de chiens » des Merveilleuses et des Incroyables. En 1798, J. Louis Darcis accepte de graver ces premiers sujets de la carrière de Vernet. Ni l’un, ni l’autre ne se doute du succès étourdissant que va rencontrer cette première série d’estampes, inaugurant un aspect prolifique de la carrière de l’artiste. Sans doute Carle est-il trop occupé à jouir de la vie parisienne, au café de Foy, parmi ses amis et bientôt collaborateurs Jean-Baptiste Isabey et Louis Léopold Boilly.

C’est peut-être Isabey, « son camarade d’atelier, de plaisirs et d’équitation », qui l’introduit auprès de la famille Bonaparte dont il est l’intime. La période la plus commentée de la carrière de Vernet s’ouvre. Il est appelé à s’y distinguer comme l’illustrateur des batailles du Consulat et des chasses de l’Empire. Après la livraison, en, 1799, de sa première commande napoléonienne : La Revue aux Tuileries, Bonaparte choisit Vernet pour l’accompagner lors de la seconde campagne d’Italie, en 1800. L’artiste suit le Premier Consul sur tous les champs de bataille, le portraiture en plusieurs occasions, et livre à son retour le fruit de ses dons d’observations.
Dès lors Carle Vernet diversifie sa contribution à la gloire napoléonienne. Le maréchal Berthier, en sa qualité de Grand veneur de Napoléon Ier, contribue à faire de lui l’illustrateur officiel des chasses de l’empereur. Plus aucun fait du prince n’échappe désormais au pinceau du jeune chevalier de la Légion d’honneur.

Pourtant, c’est avec soulagement que Carle Vernet accueille l’avènement de la Restauration. Le nouveau régime le couvre d’honneur. Par son élection à l’Institut en 1826, il rejoint son père et fait honneur à la mémoire de son grand-père, faisant dire au comte de Forbin, directeur général des musées royaux : « Pour les Vernet, le fauteuil académique est un meuble de famille. » Carle fait plus ouvertement allégeance à la famille de Louis XVIII en présentant, au Salon de 1814, SAR Mgr le duc de Berry en uniforme du 6e régiment de lanciers. L’hommage est apprécié et Carle se voit admis à suivre les chasses royales pour mieux mettre son pinceau au service du régime. Il s’attache particulièrement au plus brillant veneur de la famille royale : ainsi, ce sont encore les hauts faits de l’équipage de chasse du duc de Berry que Carle dépeint dans sa plus ambitieuse composition cynégétique de la Restauration, une Chasse au daim pour la Saint-Hubert, en 1818, dans les bois de Meudon (Salon de 1827).

Entouré de la tendre attention de son fils qu’il chérit jalousement, Carle Vernet vieillit paisiblement entre Paris et Rome où Horace dirige l’Académie de France de 1828 à 1835. Assumant de plus en plus son penchant naturel, il s’y amuse plus qu’il n’y travaille. Dans une lettre du 17 janvier 1831, Félix Mendelssohn décrit l’une des nombreuses fêtes données à la villa Médicis : « Carle Vernet (…) dansa ce soir là une contre-danse avec tant de légèreté, il fit tant d’entrechats et varia si bien ses pas qu’on ne regrettait qu’une chose, c’est qu’il eut 72 ans. Il fatigue chaque jour deux chevaux sous lui, puis il peint et dessine un peu, et le soir il faut qu’il soit en société… » Peut-être moins royaliste qu’éternellement fashionable, il abandonne son projet de peindre Louis XVIII allant rendre grâce à Dieu à Notre-Dame, mais livre au banquier Georges Schickler – sportsman accompli, membre du Jockey Club et propriétaire d’une écurie de course – son dernier format monumental : Le Départ de la Chasse (Salon de 1831). Le régime ne lui en tient pas rigueur qui le fait officier de la Légion d’honneur et l’élève dans l’ordre de Saint-Michel. Sous la Monarchie de Juillet, on achemine vers le futur Musée de l’Histoire de France à Versailles, nombre de ses oeuvres. Celles qui ne sont pas disponibles font l’objet de copies. Carle est trop âgé pour prendre part au projet, mais pas assez pour cesser d’aller trotter quotidiennement au Bois ou pour renoncer à fréquenter « ce café de Foy dont il était le plus ancien et le plus fidèle habitué ». Carle Vernet meurt le 27 novembre 1836 à son domicile de la rue Saint-Lazare, sans doute inconscient d’avoir été le rénovateur de l’iconographie cynégétique française. L’histoire de l’art le reconnaît comme le chef des « hippodophiles », ouvrant la brèche qui – en passant par son glorieux élève Théodore Géricault – mène à Eugène Delacroix et à Edgar Degas.

Carle Vernet, peintre dandy (1)

Conservateur au Musée de la Chasse et de la Nature à Paris, Raphaël Abrille s’est penché sur la vie et la personnalité de Carle Vernet, peintre dandy, à qui l’on attribue une part active dans l’introduction en France de l’iconographie fashionable. Avec l’aimable autorisation de l’auteur, nous reprenons ici les principales lignes de son étude.

Antoine Charles Horace, dit Carle Vernet, naît le 14 août 1758 à Bordeaux où son père Joseph poursuit la commande royale de la série des « Ports de France ». C’est en grande partie à ce père que l’on doit l’infusion d’anglomanie qui baigne le jeune Carle.
Les dispositions précoces de Carle pour le dessin – il aurait commencé à dessiner à l’âge de quatre ans – font la joie de Joseph Vernet. Le cheval est son premier sujet. Son habileté fait merveille dans le salon du comte d’Angivilliers où son père le mène alors qu’il n’a que cinq ans. En matière d’art équestre, ses sources lui sont directement fournies par son père. Entre deux visites au manège d’Astley père et fils, écuyers anglais établis dans une charmante salle du faubourg du Temple, Carle trouve son inspiration dans les estampes anglaises reproduisant les modèles contemporains de la sporting painting. Joseph se fournit sans doute chez des marchands d’estampes tels Wille, Jean-François Basan ou Guichardot qui diffusent à Paris les images de ce genre très prisé en Angleterre depuis le début du XVIIIe siècle. Les chasses montées et les courses de chevaux de John Wooton, James Seymour ou George Stubbs investissent l’imaginaire de Carle. Dans le salon de Madame Geoffrin, où son père l’introduit, Carle côtoie la société d’Outre-Manche. Son élégance et sa distinction toute britannique ne manquent pas d’y séduire.

La pratique de l’équitation, affectueusement financée par Joseph Vernet, concrétise son approche. Assidu des champs de course, il y retrouve le marquis de Villette – fils de l’un des amateurs les plus fervents des marines de son père – et un sportsman accompli : l’intrépide duc de Lauraguais. À leur suite, Carle entre dans le cercle d’une société anglomane et dandy dont il devient la coqueluche. Le duc d’Orléans, futur Philippe-Égalité, est le tout premier à appliquer la mode anglaise à la pratique de la chasse à courre. Non content d’adopter la redingote rouge dès 1783, au retour d’un voyage en Angleterre, il fait venir d’Outre-Manche chiens et chevaux pur-sang destinés aux haras qu’il fonde à Viroflay et à Meudon. Le duc est un familier de Joseph Vernet qu’il fréquente à la loge maçonnique des Neuf Sœurs. C’est dans ses écuries que sont hébergés les chevaux que Joseph offre successivement à Carle en 1778 et en 1783. Dès lors, Carle devient un habitué des chasses du duc.

L’anglomanie du jeune Carle n’est combattue que par sa formation académique, commencée dès l’âge de onze ans, dans l’atelier de Nicolas Bernard Lépicié, « peintre austère et bizarre qui, entre autres manies, avait celle de s’habiller toujours en moine » (ci-dessus, Le petit dessinateur, portrait de Carle Vernet par Lépicié, 1772, Musée du Louvre). Celui-ci conduit Carle à concourir pour le Prix de Rome. Après un premier échec, en 1779, Carle concourt à nouveau en 1781. Son Enfant prodigue remporte alors les suffrages du jury.

Le voyage de Rome est pourtant un échec personnel. Carle laisse derrière lui l’élue de son cœur et les courses de barberi l’inspirent moins que les pur-sang des hippodromes parisiens.
Parti de Paris en octobre 1782, le jeune dandy n’emporte pas moins de onze habits (un violet, un noisette à collet aurore, un gris mélangé, un suie de cheminée, un rouge à collet vert, un rouge à collet noir, un bleu, un de ratine carmélite, un de soye bleu de roy à veste brodée, un blanc et gris de lin et un blanc) à assortir avec quelque trente-huit gilets. S’inquiétant de cette « affectation bizarre du costume anglais » le comte d’Angivilliers s’en ouvre à Louis Lagrenée. Mais le directeur de l’Académie de France à Rome se préoccupe davantage de la crise mystique qui menace Carle de troquer sa panoplie de muscadin contre la bure monacale : « Le sieur Vernet est triste et maigri ; je crains que le climat de Rome ne lui soit pas avantageux ».
Prévenu en ces termes, Joseph favorise habilement le retour de son fils à Paris, dès le mois de mai 1783 puis l’emmène en Angleterre. « Venir à Londres sans voir les courses, c’est aller à Rome sans voir Saint-Pierre. » Carle Vernet tire plus de profit de son voyage dans la capitale britannique que de son séjour romain et se fait fort, entre deux réceptions, d’assister au fameux derby d’Epsom.

De retour à Paris, Carle renoue avec les plaisirs de la vie mondaine tout en s’attelant à son morceau de réception à l’Académie royale de peinture et de sculpture. Le Triomphe de Paul Emile (ci-dessus, détail) est l’événement du Salon de 1789. Dans sa très néoclassique composition en frise, la toile se ressent de l’influence de Jacques-Louis David. Mais Carle saisit, avant tout, le prétexte d’un défilé militaire pour représenter une longue théorie de chevaux fringants. L’œuvre définit les ambitions contradictoires de l’artiste, entre classicisme de commande et anglomanie assumée, peinture d’histoire et scène de genre. Le succès lui fait sans doute espérer ne plus avoir à se soucier d’académisme...

(à suivre)

L'art du portrait (5)

Portrait de Théodore Duret par Manet, 1868, Musée du Petit-Palais, Paris.

Théodore Duret, négociant en cognac, voyageur et amateur d'art fait la connaissance de Manet au cours d'un voyage en Espagne - on notera ici l'influence de Velasquez et de Goya. A son retour, le peintre fait le portrait de celui qui restera toujours l'un de ses fidèles amis. Pour Manet, Thédore Duret est, au moment où le Second Empire s'achève, "le dernier des dandys".

Expos (ter)

Trois expositions en cours à Paris nous ramènent au sujet de prédilection de ce blog. Chacune d'elles, à sa façon, place sur notre route, plus ou moins directement, quelques grandes figures déclarées ou parentes, du dandysme. Chacune d'elles en aborde également de nombreux et très différents aspects.

Indiscutable succès du printemps muséographique, l'exposition Crime et châtiment, au musée d'Orsay, nous entraîne dans les profondeurs de l'âme humaine. La mort plane et frappe, geste fatal de quelque assassin ou réponse, tout aussi brutale de la Société, contre le criminel. Brigands romantiques, sorcières, femmes fatales, meurtriers en tous genres étalent leurs fatidiques "exploits" à la une des suppléments illustrés de la presse d'époque et inspirent largement peintres, sculpteurs et dessinateurs. Promenade macabre : nous nous arrêtons devant les figures fantastiques de Gustave Moreau - Oedipe et le sphinx, Messaline, L'apparition -, tentant, modestement, de nous hisser à la hauteur contemplative du Des Esseintes de Huysmans, dans A Rebours ; nous croisons la figure de Salomé et l'imaginons, lascive, animée par la plume de Wilde ; nous restons fascinés - fascination morbide - devant les têtes de guillotinés du "lion" Delacroix ; nous admirons le trait sûr du crayon de Félicien Rops, illustrateur des frontispices d'une édition de 1885 des Diaboliques de Barbey d'Aurevilly (Le bonheur est dans le crime [illustration ci-dessus, Musée Rops de Namur], La vengeance d'une femme, Le dessous de cartes d'une partie de whist) ; nous trouvons un curieux "compatriote" en la figure du "dandy-bandit" Lacenaire, "héros de la vie moderne" selon Baudelaire ; enfin, les tenants du (d)Andy Warhol frémissent délicieusement à la vision d'une Grande chaise électrique (1967-68), qui, bien que d'une cruelle actualité, devient finalement, sérigraphiée en rouge et bleu par l'artiste, très décorative...

Bien différente est l'exposition de la Maison de Victor Hugo, autour des Orientales, publiées par le poète en 1829. La découverte de l'Orient, depuis notamment la campagne d'Egypte de Bonaparte (1798-1801), est une inépuisable source d'inspiration pour les artistes de la génération romantique, qui y trouvent là la plupart de leurs sujets, utilisant les descriptions rapportées par les voyageurs ou, pour certains, faisant eux-mêmes le voyage initiatique. Mieux : la paix revenue en 1815 après la chute de Napoléon, beaucoup trouvent là un exutoire à leur spleen, à leur rêve de gloire et de batailles. Parmi eux, précurseur, se dégage la belle figure de Byron (illustration ci-dessus, National Portrait Gallery, Londres, d'après Richard Westall). La terre orientale est alors large dans son acception et englobe tout le pourtour méditerranéen, y compris la Grèce et... l'Espagne ! La Guerre d'indépendance grecque contre les Ottomans (1821-1829) pousse - déjà - les "intellectuels" d'alors à prendre parti (Chateaubriand, Lamartine), voire à s'engager physiquement dans la lutte (Byron). La Grèce n'est-elle pas depuis la renaissance néo-classique de la fin du siècle précédent, le pays qui, avant Rome, a donné ses bases à la civilisation européenne ? Ne faut-il pas combattre pour elle contre ces Turcs musulmans (paradoxe de l'attirance-répulsion pour cet Orient qui intrigue). Byron prendra les armes et mourra, en 1824, à Missolonghi. Il aura, entre-temps, écrit Childe Harold, Lara, Le Corsaire, La fiancée d'Abydos, Le Giaour, Mazeppa. On les retrouve ici, dans le parcours de l'exposition, illustrés par Delacroix ou Scheffer, figures emblématiques de cet Orient rêvé, fantasmé, "territoire des guerriers et des voyages imaginaires, des villes inventées, des chansons et des romances, des captives soumises ou rebelles, des sultans et des harems. Miroir intérieur, double secret, l'Orient se confond alors avec l'idée même de la poésie." (plaquette d'introduction à l'exposition).

Atmosphère radicalement plus légère : le musée Marmottan-Monet propose une évocation des Salons au temps de Proust, en même temps que le "métier" des femmes peintres à la Belle Epoque.

L'art du portrait (1)

Jean Cocteau photographié par Man Ray, vers 1924.

Sports de dandys : l'élégance à la chasse

Vus au Musée de la Vénerie,à Senlis (Oise), ces distingués portraits de veneurs...

Laissons de côté l'idiote polémique des "pro-" et des "anti-" qui n'a pas sa place dans nos colonnes, et voyons plutôt la chasse à courre comme l'un des derniers refuges de la tradition, un de ces rares sports où l'élégance est une obligation...

 

  

  

  

 

De haut en bas :

Joseph-Porphyre Pinchon, par Hugues de Beaumont ; le Bien-Aller, par Paul Tavernier ; Olympe Hériot en maître d'équipage, par Giovanni Boldini ; Comte Bertrand de Valon, par Jacques-Fernand Gonin ; Baron Gaston de Montesquieu, par Nélie Jacquemart.

Le site et les coordonnées : ici

Le guide du musée